Fundacion Maria Jose Jove

/ Bourgueois, Louise (1911 - ) / Biografía del autor
2 Obra(s):

" Todos los días uno tiene que abandonar su pasado o aceptarlo, y entonces, si no puede aceptarlo, se hace escultor. "

Escultora, artista gráfica y pintora francesa afincada en Estados Unidos,  Louise Bourgeois nace en 1911 en el seno de una familia de relaciones complicadas  que marcarán profundamente su vida y obra. Tras abandonar la carrera de Matemáticas en la Sorbona, que había iniciado para encontrar orden y lógica a su vida, comienza su formación artística en la Academia de Bellas Artes y en la École du Louvre, además de asistir al Atelier Bissiére, Académie Julian, la grande Chaumier y al taller parisino del gran maestro Fernand Léger, quién  insta a la joven Louise a abandonar la pintura para consagrarse a la escultura. En 1938 conoce a Robert Goldwater, profesor de arte norteamericano, con el que se casa y se traslada a vivir a Nueva York, continuando la trayectoria artística iniciada en París. En America lleva a cabo sus primeras exposiciones con unas obras de referencias surrealistas, principalmente figuras antropomórficas en forma de monolitos, individuales o en grupos. A partir de los años sesenta su trabajo se hace esencialmente autobiográfico realizando sus esculturas desde una perspectiva psíquica procedente de sus obsesiones personales y recuerdos de su infancia, heridas que nunca cicatrizan, insistiendo una y otra vez en los sentimientos, identidades y conflictos relativos a la existencia humana:  " Mis obras son una reconstrucción del pasado. En ellas el pasado se ha vuelto tangible; pero al mismo tiempo están creadas con el fin de olvidar el pasado, para derrotarlo, para revivirlo en la memoria y posibilitar su olvido ". En las décadas siguientes sus obras adquieren con frecuencia la condición de instalaciones llenándose de símbolos autobiográficos: la araña (spider), figura de la madre, restauradora de tapices, que también teje hilos; el cuerpo masculino fragmentado, en referencia directa a su padre, a quién odiaba por haber instalado en la casa familiar a su amante y al mismo tiempo niñera de Louise; las mujeres-casa, imagen de la condición y el rol asignado social y culturalmente a la mujer; las grandes celdas y las guaridas habitables, como son las series "Cells" y "Lairs", espacios privados donde conviven el dolor y la gozo; referencias, más o menos ambiguas, a vaginas, pechos, falos y otros elementos biomórficos. Artista independiente e inclasificable, el reconocimiento de su inteligente trabajo ha tenido que esperar hasta los años 80, cuando el Museo de Arte Moderno (MOMA) celebro una gran retrospectiva de su obra  (la primera en gran templo del arte contemporáneo dedicada a una mujer). Desde entonces, ha recibido numerosos reconocimientos públicos. En 1992 diseña el pabellón de Estados Unidos en la Bienal de Venecia. Su obra está en las mejores colecciones y museos del mundo.

 

 

Escultura realizada originalmente en escayola que después  se fundió en plástico, látex y bronce, pertenece a el grupo realizado por Bourgeois a finales de la década de los 60 y principios de los 70,  que ella describió como representando un " pasaje antropomórfico ": Nuestro propio cuerpo puede ser considerado, desde un punto de vista topográfico un terreno con montículos y valles, cuevas y agujeros. El título de Avenza procede de la zona de Carrara, en Italia, una región famosa por las canteras de mármol donde Bourgeois trabajaba en piedra.

Las protuberancias bulbosas que recuerdan pechos, ubres o muñones fálicos apiñados se dan en otras obras como Cumul I (1969) y la Destrucción del Padre (1974). Bourgeois estaba experimentando con las cualidades de los diferentes materiales - el duro y el frío mármol, el fluido e impredecible látex… Utilizó un molde de látex para hacer el traje con múltiples pechos que la artista lució en la famosa fotografía de 1975 de Peter Moore y en Confrontación (1978) que fue la pieza principal de su performance Un banquete / Un desfile de moda de partes del cuerpo humano, realizado en 1978 en la Galería Hamilton de Nueva York.

Bourgeois realizó Avenza Revisited II originalmente también en escayola,  en 1968 - 1969, haciendo un molde de Avenza y añadiendo unas formas enrolladas que parecen gotear y colgar desde la estructura central. Bourgeois transformó así la pieza de suelo en una escultura que se auto sustenta y que se derrama desde su forma original, como un cuerpo que vierte sus entrañas.

Texto extraido de: Morris Frances ( editado por); Louise Bourgeois, Catálogo exposición organizada por TATE Modern en Londres (2007,2008 ), Centre Pompidou en París (2008 ), Salomon R. Guggenheim Museum de Nueva York (2008 ) Museo de Arte Contemporáneo de Los Angeles (2008,2009); Museo Hrishhorn de escultura, Washington D.C. (2009).

SELECCIÓN DE EXPOSICIONES MÁS IMPORTANTES: 

  • Nelson-Atkins Museum of Art, Kansas City, MO, Louise Bourgeois, (7/8/94 - 9/4/94).
  •  Museum of Contemporary Art, Tokyo, Japan, Revolution in Contemporary Art: The Art of the Sixties, (9/29/95 - 12/10/95).
  •  Musée d'Art Moderne de la Ville de Paris, Paris, France, Louise Bourgeois, (6/23/95 - 10/8/95).
  •  MARCO,Monterrey, Mexico, Louise Bourgeois, (6/15/95 - 1/5/96).
  •  Centro Andaluz de Arte Contemporaneo, Seville, Spain, Louise Bourgeois, (2/5/96 - 5/96).
  •  Museo Rufino Tamayo, Mexico City, Mexico, Louise Bourgeois, (6/4/96 - 8/15/96).
  •  Deichtorhallen, Hamburg, Germany, Louise Bourgeois, (1/18/96 - 3/17/96).
  •  Daros Exhibitions, Zurich, Switzerland, Louise Bourgeois: Emotions Abstracted, (3/12/04 - 9/12/04).
  •  Cheim & Read, New York, Lynda Benglis and Louise Bourgeois; Circa 70, (6/21/07 - 8/30/07).April 22, 2008

Dentro del complejo y siempre fascinante lenguaje simbólico de Louise Bourgeois, la araña - uno de los iconos más emblemáticos de su trayectoria-, quiere simbolizar la figura materna y su benignidad universal. Si bien en 1947 ya aparecen las primeras arañas en dos dibujos sobre papel, no fue hasta la década de los 90 cuando comienza a modelarlas: pequeñas esculturas de arañas, grandes instalaciones con arañas de patas retorcidas, familias de arañas…, al tiempo que inicia la construcción de sus llamadas “celdas”.

Paralelamente a la referencia directa a su propia madre, de profesión tejedora y restauradora de tapices, las arañas son una metáfora al mundo femenino, a las madres que tejen, construyen y mantienen el entramado del hogar, como las arañas hacen con sus telas, que al rasgarse emprenden inmediatamente su reparación. La escultora siempre se refiere a las arañas en términos puramente  positivos, aunque no deja de ser un asunto cargado de ambivalencia: “El tema de las arañas es doble. Primero, la araña como guardiana, una guardiana contra los mosquitos… Esta metáfora ha adquirido mayores proporciones… es una defensa contra el mal. Es una batalla eterna del bien contra el mal cuyas dimensiones omnipresentes son obvias…. La otra metáfora es que la araña representa la madre.” En este sentido comenta lo siguiente: “La amiga (la araña – ¿porqué la araña?) porque mi mejor amiga era mi madre y ella era reflexiva, lista, paciente, calmante, razonable, delicada, sutil, ordenada y útil como una araña. (…) No me cansaré nunca de representarla” (Oda a mi madre, Bernadac y Obrist, 2000: 321). Recogiendo todo este universo de metáforas alusivas a la maternidad, esta pieza, cuya propia estructura de madera hace de hogar, reúne todos los elementos aludidos: la tela tejida por la araña que protege contra las amenazas exteriores, en este caso representadas por la mosca; y las arañas madre e hija, pues si bien la escultora asocia constantemente la araña a su madre, a su vez ella también es la araña de sus propios hijos.

Exposiciones:

Sammlung Essl Kunst Gegenwart, Figure/sculpture”, Klosterneuburg, Austria, 24 junio 2005- 22 enero 2006

Hauser & Wirth Gallery Zúrich, 2008

Literatura:

Karlheinz Ess, Andreas Hoffer, Robert Fleck, “Figur, Skulptur. Werke aus der Sammlung Essl”, Klosterneuburg/AT: Edition Sammlung, 2005, pp.152, 155, Il.

 

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